Mayo del 68 - Días de cine - 713.

La historia fue hacia adelante hasta llegar al mayo del 68. Ahora todo parece que va hacia atrás. ¿Hasta donde?

Georges Delegue | Jean-Luc Godard (El desprecio, 1963)

La noche inspira extrañas intuiciones!
Diálogo entre Francisco Sotomayor y Miguel Ciges en FaceBook sobre el vídeo de YouTube “el Tema de Camille” de Georges Delerue perteneciente a la banda sonora de la película El Desprecio (Le Mépris, 1963) de Jean-Luc Godard

Francisco Sotomayor

Me sigue impresionando esta banda sonora (la película es una obra maestra).

Miguel Ciges Es una melodía que "imita" el movimiento del amor, es grave, intensa: muy bien concebida para el cine. Ciertas armonias parecen preexistentes de tan perfectas...Una joya.

Francisco Sotomayor Cierto, "imita el movimiento del amor", también tiene esos acordes menores que se enroscan en una fuga repetitiva, los tonos musicales de la pérdida y de la ausencia, el dolor provocado más que por el propio desprecio, por todo lo que se hunde con él... (la novela de Moravia también describe cómo del amor se puede pasar al desprecio por el surgimiento de apenas una leve y creciente sensación de alejamiento)...

Miguel Ciges la novela es muy interesante porque el despreciado asume el "carácter despreciable" de su amada y sin embargo.... he ahí el drama...

Francisco Sotomayor terrible la curva que va del amor al desprecio... conocerla no nos aporta demasiada experiencia...

Miguel Ciges ‎"Una amor que se desvanece es una experiencia filosófica tan grave que de un peluquero hace un émulo de Socrates" Cioran.

Francisco Sotomayor Incuestionable Cioran... (quizá la cuestión involutiva de esa experiencia sea la clave –por vuelta a la ingenuidad del principio– que permita iniciar otra ver su recorrido)...

Miguel Ciges Interesante pensamiento sobre el carácter circular de ciertas cosas de la vida. En realidad, no se puede ser Socrates todo el tiempo...

Francisco Sotomayor Bueno, quizá debamos pensar en las posibilidades de la vida en el sentido de reinventarse continuamente para no debilitarse en función de la aspiración inicial por alcanzar los objetivos esenciales... ("Pero sabríamos recibir si alguien, de repente, supiera dar?" Drieu La Rochelle)...

Miguel Ciges Nietzshe habló de esa continua reinvención al servicio de la vida. Hay que maniobrar para alcanzar fines diferentes a los planeados inicialmente, pero ello genera saludables fermentos internos y hasta fuerza para volver a ellos...La frase de La Rochelle es digna de un místico...

El tao de la física

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Estas son palabras de Benjamin Franklin, recitadas por Ken Robinson en enero del presente año al finalizar su exposición dada en uno de los eventos organizados por RSA, donde desarrolla algunas de las ideas que luego profundizaría en su charla “Bring on the Learning Revolution”, de mayo en TED. Learning Cognitive “tradujo” en un formato de animación Scribing, las principales ideas de la charla en RSA


http://alberttomendoza.blogspot.com/2011/01/ken-robinson-cambiando-paradigmas.html

Alejandro Jodorowsky - La mentira

La mentira mayor es decirle la verdad a alguien que no la cree.

"Las mentiras, son nuestras mentiras; tus mentiras no son mis mentiras. Mis  mentiras son mi mundo; o sea, son tan verdaderas como mis verdades. Hay que ver que cuando la persona miente, es ella la que miente y la mentira forma parte de su mundo. Entonces, la mentira es respetable; de vez en cuando hay que mentir y hay que mentirse para darse animos. Eso se llama, 'la mentira sagrada'". 
-Alejandro Jodorowsky

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Te darás cuenta que no hay diferencia en tu mente entre algo que has hecho y algo que has soñado: ambas cosas son recuerdos. La memoria de lo que hiciste y la memoria de lo que soñaste, tiene la misma consistencia. Sueño y realidad se han vuelto iguales. Estableces diferencias entre ellos por el impacto emocional que produjeron en ti.

Mysterious object at noon - Apichatpong Weerasethakul, 2000

La película está construida en torno a un dispositivo muy concreto, el cadáver exquisito. La traducción literal del título tailandés sería algo así como “flores celestiales en las manos del diablo”, lo que anuncia ya el sentido de esta técnica dadaísta de construcción colectiva de relatos. Weerasethakul abre fuego con la siguiente pregunta dirigida a una mujer que acaba de narrar cómo su padre la vendió por 1.400 bahts: “¿puedes contarnos otra historia, real o de ficción?”. La reacción de la mujer es envidiable porque no sólo salva el cuello al realizador sino que propicia la aparición de una cadena de narradores distintos que nos van contando una misma historia. En un principio se toman como base las entrevistas con estos narradores improvisados y una dramatización con actores (presumiblemente amateurs) de la misma historia que cuentan. ¿Y el contenido de la historia?

Of time and the city - Terence Davies, 2008

Of Time and the City, su nuevo largometraje tras ocho años de silencio en los que se entregó exclusivamente a su labor como ensayista y dramaturgo. Recibida con grandes elogios en la edición de 2008 del Festival de Cannes, Of Time and the City es un documental en el cual el realizador nos hace entrega de sus recuerdos, esa memoria vívida y sentimental sobre su mundo en la costera Liverpool de los años ’50 y ’60. El metraje consiste básicamente de imágenes de los archivos documentales de la época y fotografías que se suceden mientras el propio Davies nos narra sus visiones de aquella juventud entre la posteguerra y la próxima era pop. Mundo en transición que es presentado de esta forma experimental que algunos han comparado con la del veterano Chris Marker.

La isla de las flores - Jorge Furtado, 1989

Allá por 1989 vio la luz este pequeño “documental”, un sencillo cortometraje cargado de ironía y de ingenio en el que Jorge Furtado narra la trayectoria vital de un tomate, desde el cultivo por un japonés- el Sr. Suzuki-, hasta la llegada a un vertedero de Sao Paulo llamado “La isla de las flores”. Partiendo de una narración aparentemente absurda, y también graciosa, esto sólo es el pretexto para llegar a base de un enorme sarcasmo al verdadero trasfondo de la película, una reflexión sobre la desigualdad y la existencia humana,la vida de un ser que se diferencia del resto por su pulgar oponible y un teleencéfalo altamente desarrollado.

13 minutos en los que partiendo de una especie de anáfora visual, en la que cada uno de los elementos vuelve para ponerse en relación con el resto, en los que nos hace un pequeño viaje por la realidad contemporánea. Sin un gran presupuesto, ni grandes medios, ese es también su fuerte en él las imágenes no son más que mero acompañamiento del narrador, reflexiona con mucho humor sobre el valor del dinero, nuestros sistemas económicos, nuestras jerarquías sociales, nos muestra el efecto de nuestros sistemas económicos, el contexto globalizador, o el valor del dinero. Nos da cuenta bajo una retahíla de datos empíricos -riéndose del discurso positivista- de la dura desigualdad, de la “libertad” humana, un pequeño testimonio de lo que el encéfalo altamente desarrollado y el pulgar oponible pueden hacer con nosotros mismos o con la naturaleza. Un documental pequeño pero muy grande con un mensaje muy vigente. Algunos lo tachan de sensacionalista o demagógico, de no dejar pensar, sin embargo creo que tiene bastante para hacer pensar….

(Contuvernio)

Bastardy - Amiel Courtin-Wilson, 2008

Durante siete año el director y protagonistas siguió con su cámara a Jack Charles, un conocido actor aborigen australiano, para introducirse en su nueva vida fuera de la ley.

Bastardy es la historia de un viaje del hombre hacia la luz.

Puedes verlo en MegaVideo>>

http://bastardydocumentary.com/

Film Socialisme - Jean-Luc Godard, 2010

Dirección y guión: Jean-Luc Godard.  Intépretes: Catherine Tanvier, Christian Sinniger y Jean-Marc Stehle y Agathe Couture. Suiza, 2010. Duración: 101 minutos

Solamente se puede comparar lo incomparable, dice Jean-Luc Godard en la magnífica película «Film Socialisme». Podría hablar de su última obra, que pide a gritos una comparación consigo misma, porque no hay nada que se le parezca que no haya firmado el propio Godard. Habría que regresar a sus ignotos «años vídeo», es decir, aquellos en los que su resistencia política encontró un formato virgen con el que jugar, para encontrar el origen de una investigación que versa sobre el interior de las imágenes, los ecos que reverberan en las grietas que las separan, el pensamiento que suscitan.

Dividida en tres segmentos (a este director francés le gustaría llamarlos «movimientos»: Godard se considera un compositor) que colisionan entre sí, «Film Socialisme» se presenta como un ensayo sobre la deriva de Europa, que, convertida en crucero para millonarios, no sabe navegar hacia un futuro posible.
   Jean-Luc Godard explota la amplitud de texturas del digital, sobreimpresiona textos y voces, recita jeroglíficos y reta al espectador a que saque sus propias conclusiones; a que, en fin, construya su propio discurso del mismo modo que él roba imágenes y palabras para darles un nuevo sentido. El pesimismo de sus ideas sobre Europa, el hombre y la tecnología chocan con la contagiosa vitalidad de sus búsquedas estéticas. Godard, solo, sigue en pie de guerra.
S. Sánchez

Hambrientos y alocados - Catálogo de toda la tierra

(Final del discurso de Steve Jobs en la Universidad de Stanford, 2005)

Nadie quiere morir.

Ni siquiera la gente que quiere ir al cielo quiere morir para llegar allí. Y sin embargo la muerte es el destino que todos compartimos. Nadie ha escapado de ella. Y así tiene que ser, porque la Muerte es posiblemente el mejor invento de la Vida. Es el agente de cambio de la Vida. Retira lo viejo para hacer sitio a lo nuevo.

Ahora mismo lo nuevo sois vosotros, pero dentro de no demasiado tiempo, de forma gradual, os iréis convirtiendo en lo viejo, y seréis apartados. Siento ser tan dramático, pero es bastante cierto. Vuestro tiempo es limitado, así que no lo gastéis viviendo la vida de otro.

No os dejéis atrapar por el dogma que es vivir según los resultados del pensamiento de otros.

No dejéis que el ruido de las opiniones de los demás ahogue vuestra propia voz interior.

Y lo más importante, tened el coraje de seguir a vuestro corazón y vuestra intuición.

De algún modo ellos ya saben lo que tú realmente quieres ser.

Todo lo demás es secundario.

Cuando era joven, había una publicación asombrosa llamada The Whole Earth Catalog [Catálogo de toda la Tierra], una de las biblias de mi generación. La creó un tipo llamado Stewart Brand no lejos de aquí, en Menlo Park y la trajo a la vida con su toque poético. Eran los últimos años 60, antes de los ordenadores personales y la autoedición, así que se hacía con máquinas de escribir, tijeras, y cámaras Polaroid. Era como Google con tapas de cartulina, 35 años de que llegara Google, era idealista, y rebosaba de herramientas claras y grandes conceptos. Stewart y su equipo sacaron varios números del The Whole Earth Catalog, y cuando llegó su momento, sacaron un último número.

Fue a mediados de los 70, y yo tenía vuestra edad.

En la contraportada de su último número había una fotografía de una carretera por el campo a primera hora de la mañana, la clase de carretera en la que podrías encontrarte haciendo autoestop si sois aventureros. Bajo ella estaban las palabras:

"Sigue hambriento. Sigue alocado".

Era su último mensaje de despedida. Sigue hambriento. Sigue alocado.

Y siempre he deseado eso para mí. Y ahora, cuando os graduáis para comenzar de nuevo, os deseo eso a vosotros.

Seguid hambrientos. Seguid alocados.

Muchísimas gracias a todos.


http://www.wholeearth.com/index.php

Une catastrophe - Jean-Luc Godard, 2008

Esta pequeña pieza de poco más de un minuto era el vídeo promocional del Festival de Viena de 2008.

William S Burroughs on September Songs

September Songs es un documental canadiense hecho en honor de Kurt Weill, donde artistas como Betty Carter, Elvis Costello, Lou Reed, Nick Cave, PJ Harvey -y hasta William Burroughs- trabajan con algunos de sus mejores temas

Marwencol - Jeff Malmberg (2010)

El 8 de abril de 2000, Mark Hogankempa, de Nueva York, fue atacado a la salida de un bar por cinco hombres borrachos que lo golpearon casi hasta la muerte.
Como consecuencia de haber recibido numerosos golpes en la cabeza, cayó en estado de coma. Después de nueve días en esa situación y cuarenta días en el hospital, fue dado de alta con unos daños cerebrales que le dejaron escasa memoria de su vida anterior.
Para restaurar la coordinación de los movimientos y el estado mental, a Mark le aconsejaron trabajar con objetos pequeños, y así nació el 'proyecto Marwencol'. Mark decidió dedicarse a las miniaturas, concretamente a los soldados. Construyó una ciudad de la Segunda Guerra Mundial a una escala de 1:6, y la llamó Marwencol. En las calles de la ciudad de Mark viven héroes, luchan, se enamoran, arriesgando sus vidas, desangrándose. En pocas palabras, sustituye el mundo real por uno más seguro para Mark.


Cuando comenzó a documentar sus dramas en miniatura con su cámara, sus imágenes fueron descubiertas y publicadas por la revista Esopus.

Las obras de Mark fueron exhibidas en las galerías de arte más prestigiosas de Nueva York. En 2010, durante el festival The South by Southwest se estrenó la película 'Marwencol' sobre Mark Hogankempa y su mundo de ficción.

Marwencol es una película documental independiente que explora la vida y obra del fotógrafo. Es el primer largometraje del director-editor Jeff Malmberg.

Articulo completo en: http://actualidad.rt.com/TiempoLibre/Personalidades/issue_16880.html

Mirage - Andrey Zakirzyanov (2004)

El "MIlagro" de Andrey Zakirzyanov es una versión experimental o capítulo piloto (al menos en 2004) que basado en pinturas de artistas del Renacimiento europeo.

Adjunto el enlace de su canal en YouTube donde tiene algunas cosas muy interesantes:
http://www.youtube.com/user/Zakirzyanov


Este de HOUSE es genial (pasados los macabros 50 segundos iniciales)

Vibraciones Trailer - Moisés Salama y Miguel Ángel Oeste (2010)

Vibraciones es una película documental sobre rimas y vida. Una experiencia porosa de ficción y realidad, de música y supervivencia, de ilusiones y frustraciones, de triunfos y fracasos, y del proceso creativo que conduce a estos tres artistas a enfrentarse con ellos mismos y al estilo de vida que han elegido.
 Se trata de la primera película “no personal” del tándem Moisés Salama y Miguel Ángel Oeste, que han firmado como director/guionista tres filmes documentales hasta la fecha: Melillenses, Una historia personal y Atlas Bereber. De hecho, Vibraciones parte de una idea original del hijo del propio Moisés Salama, Daniel Salama, realizador de videoclips y productor.

GREEN GRASS OFFICIAL VIDEO - CIBELLE

ROTOSCOPIA

La técnica de la rotoscopia consiste en el redibujado manual de un contorno frame a frame, tomando como base una secuencia de imágenes de acción real, previamente filmada en cine o grabada en vídeo. De esta manera se genera una silueta que se mueve de manera realista y que podemos usar como máscara para componer con otras imágenes o como referecia para animar un personaje.

De Profundis - Miguelanxo del Prado (2007)

  DE PROFUNDIS es el intento de respuesta, artísticamente individualizada, de un creador de historias e imágenes y un músico a todos estos interrogantes.

  Las imágenes, todas y cada una, están concebidas desde un punto de vista pictórico. La composición, la textura, el trabajo cromático, la pincelada, el trazo personal, se imponen como elementos predominantes del contenido visual.

  La narración, la secuenciación, la historia contada, tienen ambición poética, sin renunciar a su esencia narrativa. Pretenden componer, junto con la música y el sonido, un poema visual y sinfónico.

  En cuanto a la técnica de animación, resulta indudable que, en su aplastante mayoría, las producciones de los últimos años persiguen de forma entusiasta (especialmente a partir de la irrupción de las técnicas de 3D) el “engaño visual”, la convicción del espectador de que aquello que está viendo es real. ¿Quién puede resistir esa perfección hiperrealista en volúmenes, texturas, luces, etc.?

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Notas de cómo se hizo "De profundis" - Copyright © 2006 Continental Producciones, Desembarco Producciones y Zeppelin Filmes. Distribuida en España por Alta Films.

A Scanner Darkly - Richard Linklater (2006)

Esta película termina siendo una experiencia dual donde las imágenes de bordes derretidos y colores de calidad pictórica pueden llegar a abstraernos de toda la fealdad y angustia que representan, llegando a sostener un discurso secundario con entidad propia. Precisamente por su inusual factura técnica, esta película había levantado ciertas suspicacias antes de su propio estreno anunciando que una mera experiencia estética no puede justificar toda una producción cinematográfica —otro largometraje de animación con que se ha comparado, la francesaRenaissance (Christian Volckman. 2006), fue rechazada con los mismos argumentos—. Sin embargo, hay que decir que ambas producciones se han concebido desde un deseo de renovación de la cinematografía que se nutre de las posibilidades de la animación, no violentando aquello que es el cine —ni mucho menos amenazando la supervivencia de técnicas más tradicionales de animación—, sino dando lugar a algo muy distinto, configurando una nueva percepción de la realidad que al menos en A Scanner Darkly se demuestra totalmente válida desde el punto de vista del guión.
(de Tren de Sombras)

Waking Life - Richard Linklater (2001)

Waking Life es un film animado mediante la técnica de rotoscopia, dirigido por Richard Linklater hecho en el año 2001. La película fue filmada completamente en video digital para luego ser editada por un grupo de artistas mediante el uso de computadoras. La técnica, llamada "Rotoscopping" permitió dibujar lineas estilizadas y colores a cada fotograma y es similar al estilo de rotoscopía usada por Ralph Bakshi en la década de 1970.
El título "Waking life" hace referencia a la máxima de Jorge Santayana:"sanity is a madness put to good uses; waking life is a dream controlled." Ésta se traduciría al español como: "la cordura es una locura que se usa para bien; la vida despierta es un sueño controlado".
(Wikipedia)

Trailer Vals con Bashir

En un principio choca la denominación de “documental de animación”. De hecho, parecería que la animación sería incompatible con cualquier obra de tipo documental (puesto que es un género creado desde la ficción, sin aparente intervención de imágenes de la realidad). Sin embargo, más allá de etiquetas, y por más que alguna suene más a truquillo promocional que otra cosa, es indudable que “Vals con Bashir”se erige como una obra prácticamente única en su género. Una obra que, en aras de indagar en un tema abordado en otras ocasiones (la guerra y sus consecuencias en los peones que la viven en primera persona), utiliza un lenguaje novedoso para evitar la pérdida de eficacia que sufre, inevitablemente, todo lo que suene a ya visto.

Una cinta que, además, engancha desde su primer fotograma, con esa persecución onírica de los perros salvajes recorriendo y arrasando todo a su paso por las calles de una ciudad. Porque no se trata de una cinta histórica que busque explicar por qué Israel invadió el Líbano en 1982, no. Muy al contrario, parte de que la audiencia conoce ya unos hechos de los que el protagonista ofrece, más que su testimonio, su recuerdo. Dicho recuerdo es perseguido a lo largo del metraje, escondido en algún pliegue de una memoria que lo ha sepultado para poder vivir en paz, y que debe ser reconstruido a partir de pequeñas piezas aportadas en conversaciones con compañeros, testigos o periodistas que recomponen la cadena de trágicos hechos que desembocaron en la terrible matanza de los campos de refugiados palestinos de Sabra y Chatila.

Lo más curioso es que el hecho de haber sido realizada en Flash, más que acercarla al estilo de la animación tal y como lo entendemos, la aproxima más al cómic, hasta el punto de que “Vals con Bashir” podría resumirse en una serie de potentes viñetas capaces de albergar todo el simbolismo de la búsqueda. Quizá porque, en el fondo, a una memoria fragmentada le cuesta más reconstruir un conjunto que resucitar un instante, la propia película termina siendo testimonio en sí misma de la fragilidad de la experiencia (o, mejor dicho, del recuerdo de la experiencia propia).

Por eso causa inevitable desconcierto la irrupción de las imágenes televisivas de los cadáveres amontonados en la matanza. Porque hasta ese momento hemos asistido a una indagación que, pese a contar con una toma de partido clara (el sinsentido que para los combatientes tenía un conflicto en el que resultaba difícil discernir a los enemigos, en el que hasta los perros y los niños terminan convertidos en elementos a eliminar), y de aplicar en todo momento el filtro de la animación, se ve asaltada por un aluvión de horror tomado in situ, sin filtro (o con uno menos evidente que el de la animación), como si el viaje que emprende el protagonista a lo largo de sus recuerdos terminara por hacer emerger finalmente la verdad.

Aun así, la película sorprende por su capacidad para crear una belleza extraña, estática, que uno creería incompatible con una película sobre la guerra, y que parece entablar hilos invisibles con un título aparentemente tan ajeno como “La delgada línea roja”. Más allá de la denuncia, del revulsivo, de la necesidad de plantear un debate, Ari Folman ha tenido la maestría de conseguir una obra hermosa que, quizá por eso mismo, abre una ventana por la que asomarse al horror.

Miguel A. Delgado

I Met the Walrus - John Raskin

En 1969, un fanático de los Beatles de 14 años, llamado Jerry Levitan, logró colarse en la habitación, con una grabadora de cassette, de John Lennon en Toronto. Lo convenció para hacerle una entrevista improvisada.

En este vídeo podeis escuchar o leer aquella mítica entrevista, usando la traducción, es muy interesante tanto por las preguntas de un crío de 14 años como las respuestas de John Lennon. Sus respuestas tienen aun plena vigencia en nuestros tiempos.

Ver subtitulado>>

Sinking of the Lusitania (1918) de Winsor McCay's

De acuerdo con Eric Patrick, crítico de animación, los documentales animados tienen una amplia historia y atribuye su aparcición a "The Sinkinjg of the Lusitania" (1918), película de Windsor McCay. Para Patrick, lo más importante del trabajo de McCay fue lograr que se considerara a la animación como un medio de comunicación. Para este autor, McCay mostró que la animación podía utilizarse como una herramienta para reconstruir la situación después de un hecho determinado, cuando las cámaras no estaban presentes en momentos “históricos decisivos” (PATRICK, 2004, p. 36).

También resulta importante mencionar el punto de discusión que genera el controlde la imagen en los documentales animados. Muchos de los autores investigados en este trabajo coinciden en que la “precisión es algo irrelevante”(PATRICK, 2004, pp. 37-38); la realidad objetiva en cualquier producción cinematográfica es imposible porque toda película ilustra menos la realidad de una situación que la ideología de su creador. Sin embargo, la postura que se asume es hacer uso de la animación como un elemento que complementa la narración, cercana a la realidad. Aunque la animación puede generar una sensación de control sobre la veracidad del tema de estudio, también puede tener el efecto de ayudar al público a establecer una conexión emocional con el proyecto.

En la animación existe una poderosa estética debido a la variedad de técnicas que el artista tiene al alcance. Para teóricos como Patrick, la técnica que elija el animador en sí y por sí misma puede contribuir aun más a la tesis del proyecto, al otorgarles a las ideas una fisicidad que no está disponible en el cine de imagen real tradicional (PATRICK, 2004, p. 44).

Leer más en Suite101: La animación como documental http://www.suite101.net/content/la-animacion-como-documental-a36961#ixzz1JokQ0anX

Minuscule - snail dreaming about speeding

Minuscule es una serie animada de origen francés, en la que paisajes reales y dibujos en 3D se fusionan para dar lugar a curiosos cortos de menos de 10 minutos en los que se muestran las historias o aventuras que pueden acontecer un día cualquiera en el campo, en casa, en el bosque... los protagonistas son los insectos que comúnmente conviven con nosotros cada día, mariquitas, arañas, moscas, mosquitos, saltamontes...

Es la serie ideal para aquellos que somos capaces de pasar una hora invadidos por la curiosidad siguiendo a una hormiga cargada con un trozo de pan, o viendo a una araña cazar, o siguiendo el vuelo de una mariposa para ver en qué flor se posa… así mismo, con la ternura con la que se muestran las historietas, cualquier aprensivo de los “bichos”, tras ver algún capitulo, verá a los insectos con otros ojos…

Es para todos los públicos, niños, mayores, amantes de la naturaleza, curiosos… la ausencia de diálogo, las curiosas melodías y los sonidos más graciosos convierten a Minuscule en la serie que te acerca a la vida privada de los insectos ¿preparado para descubrirla…?

PEQUEÑAS VOCES

Esta cinta esta basada en el cortometraje “Little Voices” del año 2003 y del realizador Jairo Carillo quien junto a Oscar Andrade transformaron este corto en una película que les tomó 7 largos años en terminar. La cinta hacía referencia a la vida de varios niños desplazados por la violencia en Colombia. Con este punto de partida se tomaron las historias para posteriormente ser digitalizadas utilizando un verdadera tecnología de punta tanto en 3D como 2D creando, adicionalmente, una música especialmente diseñada para el film.

En este largometraje tomaron las entrevistas y talleres de dibujos con 4 niños entre los 8 y los 13 años de edad que a través de las imágenes reflejan las crudas realidades y van narrando sus conmovedoras experiencias.

Esta es la intención de los realizadores, hacer que los colombianos no se olviden de aquellas personas que pasan por esta situación y que ahora deambulan como desplazados por las calles de las grandes ciudades, hacen parte de las noticias diarias y polulan en los semáforos sin que el común de la gente se detenga a pensar en esta problemática que se ha vuelto parte de la cotidianidad.

(Sandra Milena Ríos)

Chicago 10 de Brett Morgen

Una época de agitación política convulsa es intrigante animados - literalmente - en el documental de Brett Morgen poco ortodoxo. Para contar la historia de los activistas anti-guerra que se conoció como el Chicago 7, el director mezcla imágenes de archivo de las protestas fuera de la Convención Demócrata de 1968 con re-captura de movimiento-creaciones sobre la base de transcripciones de la corte del juicio de los activistas.

Animación de captura de movimiento? Es la técnica utilizada en películas como Beowulf y Polar Express, y cuando se combina con las voces de estos conocidos artistas intérpretes o ejecutantes y Hank Azaria (jugar Abbie Hoffman), Mark Ruffalo (Jerry Rubin) y el fallecido Roy Scheider (el juez Julius Hoffman), es una forma de la cadera bastante para volver a crear tanto las travesuras de los acusados ​​y la atmósfera circense de un juicio Rubin llamó una vez un "dibujo animado".

El título (del "Chicago 7" hasta 10) se deriva de la afirmación del director de que el acusado sesiones - Negro Pantera Bobby Seale, cuyo caso fue separado en última instancia, de los otros - y los dos abogados de la defensa (que fueron citados por desacato) también debería incluirse. técnica innovadora a un lado, la película es probable que se sienta más esclarecedor activistas más jóvenes que no saben sobre el festival de la juventud Yippie y la represión de la policía que se convirtió en teatro de calle que a la gente que realmente recordar los acontecimientos de 1968.
(Bob Mondello)

From Brett Morgen's 2007 Film Chicago 10. Produced by Vanity Fair editor, Graydon Carter.

Impresionante "Battle at Kruger"

A veces nos olvidamos de lo que hay ahí fuera
¿Un final feliz?

http://www.battleatkruger.com/

The Moonbase - Episode 3.1

Ryuichi Sakamoto - Rain(live)

It Came From Hollywood (Aliens) - Malcolm Leo, 1982

Los momentos más bochornosos de la historia del cine americano.

La Historia del Agua Embotellada

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Permitimos a nuestros clientes para comunicar mensajes clave y capacitar a las personas para transformar la sociedad a través del uso innovador de los medios digitales, narración, diseño gráfico y la estrategia. Amplificamos el impacto de nuestro trabajo por inspirar a los demás a través de nuestras prácticas de negocio orientada hacia los valores.

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The Universal Declaration of Human Rights

¡HA LLEGADO LA HORA!

The thin blue line - Errol Morris, 1998

Uno de los mejores documentales de Errol Morris que fue rechazado para los premios Oscars por no adecuarse a lo que la academia consideraba por aquel entonces un documental

Watch Errol Morris - The Thin Blue Line in How to Videos  |  View More Free Videos Online at Veoh.com